PRINCESAS APUÑALADA DE LUNA - LP
Por Walter Gody

Luego de varios años de trajinar el underground desde el oeste del Gran Buenos Aires, y habiendo publicado un embrionario EP de cuatro canciones, Princesas Apuñaladas de Luna (Padl) lanzó su primer larga duración, editado por el sello de música experimental Noseso records, a finales de 2006. La banda del oeste, que fue elogiada (vía mail) por el mismo Thurston Moore de Sonic Youth ("su música es muy interesante", tipeó, luego de oír el primer EP), está formada por Paula Lazzarino en voz y bajo, Matías en batería, Luciann en guitarra acústica, voces y piano, y Cristián en guitarra eléctrica.
Con performance teatral, y música con fuertes aires de psicodelia y garage de los sesentas-setentas, e indie noise de los noventas, Padl presenta un material de arte troquelado de edición casera, y diez canciones donde el péndulo de la música oscila entre el ruido y la melodía, entre el susurro y el grito, entre los volúmenes altos y el silencio. Las imágenes y letras en un idioma propio, y el sonido perturbador y desequilibrante, huelen a Alejandra Pizarnik, Antoine de Saint-Exupéry, Lewis Carrol, películas de clase B de los cincuenta, y The Piper at the Gates of Dawn del primer Pink Floyd.
El material comienza con Sei Iu Lob Mi, de guitarras carrasperas, y cortantes, que machacan intermitentemente como un cuchillo que cae afilado sobre una tabla de madera. Todo es un torbellino; a las guitarras efervescentes (acústica y eléctrica) se le suman los alaridos de Luciann, la fuerza cruda de la batería, y los golpes de bajo, y gemidos rudos de Paula. El tema metamorfosea, cambia, cae a un vacío de ruidos leves para luego elevarse con lentitud pero desenfado. Cobra forma y volumen que se transforma en gritos y ruidos, capas de guitarras y platillos, gritos y más gritos, para retornar a la melodía del comienzo. Recobra su forma original, y da paso a una nueva repetición del estribillo (mezcla de quejido y susurro): "Sei Iu Lob Mi / Sei Iu Lob Mi / Sei Iu Lob Mi", y finalmente se desenlaza en una suerte de luz de silencio que asoma entre la tupida nube de ruidos y melodías, voces y gritos. Sin embargo, el caos reinante en Sei Iu Lob Mi está organizado. Es un "caos" bajo control, métrico, quizás. Lo mismo ocurrirá con el resto del material, donde se subraya el contrapunto, el encuentro de los extremos en la extensión de un tema (y de un disco completo, al fin)
En Tin Tin Tin, continúa el dialogo de onomatopeyas que inauguró Sei Iu Lob Mi, su letra es un balbuceo, un decir de susurros y ronquidos, algo así como el idioma de un sueño. Tin Tin Tin abre con una línea de bajo de hipnosis, y está cruzada de cuajo por guitarras fantasmales que surcan el tema de comienzo a fin. Sobre estas capas de guitarras etéreas, sube la voz (no menos fantasmal) de Paula, tan ambigua, sensual, extraña. La batería se contiene, explota, se restringe, y vuelve arremeter. El clima de Tin.., es en general el de una canción melancólica de dream pop fuerte (¿dream rock?), que produce un ensueño un tanto perturbador y atractivo.
El tren fantasmal-eléctrico tiene más estaciones, De sai Des Cai, Rayuela, Guaretenou, Navidad, Duende, Sonidos del Silencio, El Hada, y finaliza con una canción mínima: Cayó en mi Balde una Estrella Fugaz, donde Paula se pone al frente de una melodía casi silenciosa y aniñada, pero será una niña como Carrie de Stephen King, en todo caso. El tema es hipnotismo puro, repetición pavloviana, un murmullo de mar.
El disco trae algo de paz a los 33 minutos de abruptos cambios de climas y nervios crispados por los que nos pasea.
Princesas Apuñaladas de Luna (LP) es un vendaval de aire fresco para aquellos que gustan de escuchar las variadas posibilidades del rock (que va más allá de lo que programan las radios comerciales, claro está).

HEART - DREAMBOAT ANNIE
Por El Pastor de Buffalo

En esta entrega les voy a hablar de una banda que si bien no es desconocida en el mundo del rock, quizá se terminó dando a conocer por su etapa más glamera de los 80s, y no por sus buenísimos discos de los 70s. Personalmente tengo dos favoritos Little Queen (1977) y Dreamboat Annie (1976), y sobre este último les voy a hablar hoy.
Una rápida pasada por los origenes: formada por dos hermanas hijas de un militar de la marina estadounidense, Ann y Nancy Wilson, a mediados de los setentas, Heart procede de una banda llamada The Army, y cultivó una mezcla perfecta entre hard rock, folk y pop, sin dejar de lado algo, digamos progresivo, y de muy buena calidad en sus primeros lanzamientos. Otro dato es que estas californianas hicieron de Seattle su cuartel general, pero además de que Mike Inez, bajista de Alice in Chains, haya tocado con ellas, de grunge no tienen nada.
Dreamboat Annie sin duda es uno de los mejores discos debut de una banda, con un sonido netamente de los setenta, baterias secas y entendibles, muchas capas de guitarras acústicas y eléctricas, y con una buena mezcla final, lo que nos da un excelente resultado a la hora de ser escuchado por gente cercana al rock y la que no lo está tanto. Este disco es como si metieras a Joni Mitchell y a Led Zeppelin (banda de la que ellas son muy fanaticas) en una licuadora.
Algunos pasajes recomendables para acercarte sin miedo son, la groovera y pegadiza Magic man, donde la voz de Ann destila dulzura y una cercanía muy bluesera al mismo tiempo. Por otro lado, la poderosa y sí, más cercana al progresivo, Crazy on you, donde una intro acústica, muy a lo Jimmy Page, da paso a una avalancha de arreglos tanto instrumentales como también en la voz. Aqui una vez más se destaca la garganta de Ann con unos agudos terribles.
Confien en sus oídos, un poco en mi, y pegenle una escuchada a este disco, que les va a llegar al "corazon". :)

OBS - VERSION ORIGINAL
Por Nic Loreti

Con influencias de Deftones y bandas de nü-metal gótico como Evanescence (es más, suelen tocar Call Me When You're Sober en vivo), OBS nos trae un EP con cinco temas directos y heavies.
Más allá de poseer una cantante femenina (con un buen registro vocal, que no desentona con la propuesta), la sensación de que a estos chicos les gusta la banda lidearada por Chino Moreno no me dejó casi nunca, y eso no es algo necesariamente malo. Después de todo, Deftones es la banda más grande y original en despuntar del comatoso universo nümetalero.
Producido por la banda y Nelson Pombal, el EP suena profesional, con la sombra de Chino & Cía sobrevolando los primeros temas, En Mí y Lejos de Tí.
Desde su propuesta musical hasta su estética (casi tan importante como la música en una banda del nuevo milenio), OBS va directo a la yugular, sin dar muchas vueltas. Buscan ser masivos (cantan en castellano, eso les suma un punto), y esto puede jugarles a favor y en contra.
Musicalmente son gancheros y se mueven con comodidad dentro del estilo; y esta es su gran virtud y defecto a la vez. Probablemente un metalero clásico los condene por una búsqueda comercial, pero para quienes quieren un nü metal-dark con toques power pop directo y sin concesiones, OBS les da lo que promete.

MENU DU JOUR - LA MÁQUINADEL MUNDO
Por Matías Timm

Uno entra en un restaurante, y, si realmente quiere conocer la cocina del lugar, pide el menú del día. A eso nos disponemos en este caso, y el menú a la carta es La Máquina del Mundo, álbum debut de la banda argentina Menu du Jour. Comenzamos con la degustación y recibimos una entrada etérea: Beyond the Fortress of Clouds . Nos damos una idea del sabor local, que, lejos de ser un barato fast food como Evanescence , nos acerca a la haute cuisine européenne de The Gathering y Lacuna Coil . El gusto que percibe nuestro paladar es similar al que nos ofrecieron los primeros dos discos con Anneke de aquella inolvidable banda holandesa, especialmente en Nighttime Birds .
Los sabores nos comienzan a hacer entrar en apetito, y devoramos gustosamente la aún más deliciosa segunda entrada, Leaving Room, que nos prepara para lo que está por venir, el plato principal con A tous les présent.
Pasan los platos, y vamos degustando distintos sabores, pasando por dulces, salados, y picantes.
Menu du Jour es realmente una banda interesante, para tener en cuenta, y este primer trabajo es sumamente prometedor. Particularmente sabrosas son las precisas guitarras de Ivo y Jonás , y los amenos teclados de Vicky; particularmente su hechizante introducción en Blow Blow . El bajo y la batería complementan bien y condimentan la mezcla.
Es la voz de la chanteuse de la troupe, tal vez, el aspecto que más necesita pulirse, cuando menos en cuánto intenta llegar a algunas octavas agudas que le son difíciles de alcanzar. Más allá de eso, cuando se mantiene dentro de su registro, es adecuada y competente.
Al finalizar los deliciosos postres, nos prometemos regresar a degustar de los alimentos que nos prepare este quinteto de chefs cuando nos inviten de nuevo a su table d'hôtes.

AGUA TURBIA - PSICHODELIC DRUGSTORE
Por Guada Cheja

Antes de la era digital  los estilos musicales importados se exportaban con bastante delay, pero he aquí un ejemplo de una banda chilena contemporánea a bandas inglesas y estadouniudenses de las décadas del 60 y 70 que navegaban en el mar de la psicodelia.
Agua turbia, con las cuerdas vocales de Dennise, sondeaba estas olas, con dificultad de aceptación mediática pero marcando un referente del estilo en el sur de nuestro continente.
Al igual que lo hacía La cofradía de la Flor Solar en Argentina, la banda que lucía la guitarra del ex redondito de ricota Skay Beilingson; y un  tanto más al norte, en Brasil, brillaba internamente Os mutantes, con Rita Lee en el micrófono.
En 1996 el sello inglés Background editó Psychedelic Drugstore, un compilado con temas que Agua Turbia había grabado en chile en 1970. Como clara influencia dela época, el disco arranca con Somebody to Love, de Jefferson Airplane, una banda estadounidense que compartía tanto el estilo musical como la formación de tener una mujer en la voz. Más avanzados los tracks, la banda inmortalizó otro cover, esta vez el mega éxito de los sesenta Crimson and Clover, de Tommy James and the Shodells, con un inicio baladesco y un final mega psicodélico. Estas canciones quizás no sean reconocidas por su nombre, pero la melodía activa la memoria músical de inmediato.
El segundo tema del disco se inicia con la voz sexy de Dennis que roga: "Please babe, make love to me, please (por favor bebé, haceme el amor, por favor)" y el resto de la canción sólo se escuchan gemidos y susurros sobre una base groovera y una guitarra muy de fondo delirando sobre el diapasón a lo Jimmy Heandrix.
El disco transcurre con mucho wah-wah, delay, baterías platillosas, temas de más de 6 minutos y bases grooveras; psicodelia absoluta que de repente se transforma en un blues puro, y luego gira a un rock zeppeliano con riffes potentes, que nunca abandonan esos ritmos negros nacidos a orillas del Mississippi llamados blues. Como si este crisol de estilos fuera poco, el disco culmina con un folklore que sólo consta de bombo y voces.

Los discos de estudio
La edición del primer trabajo de Agua Turbia (1970 ) causó revuelo en los medios conservadores, pero no por su música, sino por la foto de la portada, donde los integrantes de la banda se encontraban  sentados desnudos con una actitud muy hippie, llevando anteojos y pañuelos de colores. A pesar de que el arte de tapa sugería más de lo que mostraba los músicos eran acusados de promiscuos, agredidos en la calle y hostigados a cortarse el pelo. (Una situación de revuelo también había ocurrido un tiempo atrás en Estados Unidos cuando John Lennon y Yoko Ono habían posado desnudos para el disco Two Virgins).
Tres meses después, el grupo sacó el segundo y último álbum, Agua Turbia Volumen 2 (1973) con una carátula inspirada en el Cristo de San Juan de la Cruz , del pintor Salvador Dalí, lo que volvió a causar polémica, y esta situación impulsó al grupo a marcharse del país en noviembre de 1970.

AMPARANOIA- LA VIDA TE DA (2004)
Por Luli Herbin

En 2004 Amparanoia editó Rebeldía con Alegría, su compilado de grandes éxitos. Su siguiente trabajo -el quinto- está marcado por un desafío: volver a grabar un disco de estudio. Este material logró combinar varios ritmos latinos para dar a luz un álbum variado y a su vez intenso.
De las sesiones de grabación de La vida te da, emerge una sensación de frescura que surge de la decisión de Amparo Sánchez, la lider de la banda, de grabar con todos los músicos juntos para lograr un sonido directo en todos los temas.
Aunque despojado de grandes arreglos musicales, Amparanoia recurre al ritmo del vals o la ranchera para obtener un disco variado y en definitiva con sonido propio. Continúa en él con las premisas del nuevo género llamado Música del mundo o Rock Mestizo, nacido en los 90 en España; conjuga ska, salsa, bolero, reggae y rumba fusionándolos con sus propias raíces flamencas.
Siguiendo los pasos de Bebe, otra española, el tema de apertura -que coincide con el título del disco- se convirtió en la cortina de la serie Mujeres Asesinas. Lo sigue You know what I mean, el cual expresa un mensaje que ya existe como constante en Amparo Sánchez: la denuncia social, la igualdad de la mujer y sus derechos.
El track cinco, Me voy lejos, habla acerca de la mudanza de Amparo a Barcelona, luego de vivir 10 años en Madrid. "...Me voy lejos de la mentira a encontrar mi verdad/ Me voy por el camino a crecer para dar. Me voy lejos ya me despido..."
La mitad del disco se cierra con un tema en catalán. Luego, la bautizada Manu Chao con polleras, regresa al concepto del título del álbum y da varias definiciones de lo que La Vida te da.
En el track 8, Antes de Hoy , retoma el quiebre en su vida, el cambio: "Yo antes de hoy fumaba fumaba tomaba tomaba,..a ver si te olvidaba/ escucha cobarde... ya te olvidé ...".
Uno de sus últimos temas contiene una referencia local. Permite Madrecita fue escrito como homenaje a las Madres de Plaza de Mayo y grabado junto a Mimí Maura en su última visita a Buenos Aires.
El tema final del disco es uno de los covers que más le piden en vivo: Redemption Song de Bob Marley, un cierre que siempre funciona.
De este modo, Amparanoia ha regresado con un álbum no muy diferente a los anteriores pero con el cual logra romper el anonimato. Así, la discípula de Manu Chao se ha convertido en una artista consagrada alrededor del mundo.

DRAIN STH: HORROR WRESTLING
Por Guada Cheja de Cruel NOCTURNA

Eran los 90, Nirvana había esparcido su aroma a espíritu adolescente y Seattle era la capital del rock con el grunge (que dejó muchas cabelleras decoloradas y jeans rotos en las rodillas), aunque los años anteriores también habían sido muy significativos para el metal: Metallica pedía justicia para todos (...And Justice for all) en 1988, mientras otras bandas, como Alice in Chains o Sound Garden, que lindaban más con la música pesada, eran etiquetadas como alternativas porque su receta no cuajaban en un género estricto.
Corramos ahora el foco del norte de América para viajar al viejo continente, a Suecia, Estocolmo, exactamente. En 1996, en ese punto alejado de nuestro polo Drain STH, una banda integrada por 4 muchachas eruopeas ( Maria Sjöholm en voz, Flavia Canel en guitarra, Anna Kjellberg en bajo y en batería y coros Martina Axén), sacó a la luz su primer ábum, Horror Wrestling, de forma independiente. Un disco con tempos retrasados, riffes poderosos, guitarras afiladas y voces graves que armonizan formando acordes oscuros. Un cabeceo lento, pero seguro, una mezcla de machaques metaleros ajustados, con acordes abiertos y arpegios menores, donde (al igual que en Alice in Chains) las melodías tristes y las letras trágicas reinan las canciones.
El disco arranca con una guitarra entrecortada de distorción filosa que a los cinco segundos explota en un riff unísono, y enseguida una voz con un leve dejo de reverb sobrevuela la base para contar su historia: “Me despierto sola, vos estás al lado mio/ No se si he sobrevivido a mi sueño” (“I Wake up lonely, you are next to me/ I don´t know if i`ve survive my sleep”).
En 1998, este disco fue reeditado por Mercury Records en todo el mundo, con una yapita de tres temas, entre los que incluyeron Ace of Spades de Motorhead.
Suena raro que Drain esté acompañado con STH, pero debieron poner estas letras porque en Estados Unidos había una banda con nombre similar y querían evitar confusiones. Aunque en realidad, esa es la versión oficial, porque las malas lenguas dicen esa apellido ficticio es una sigla que responde a “Straight to Hell” (directo al infierno). Ustedes pueden inclinarse por cualquiera de las explicaciones, ¡Quizás de eso dependa el futuro de sus almas!

TRACY BONHAM: THE BURDENS OF BEING UPRIGHT
Por Guada Cheja de Cruel NOCTURNA

"Es la hija de John "Bonzo" Bonham (el batero de Led Zeppelin), me dijeron a mediados de los noventa, cuando me prestaron The Burdens Of Being Upright, el primer disco de Tracy Bonham. Tiempo después me enteré que Tracy sólo portaba un apellido mítico, y que su padre tenía un nombre tan típicamente yanqui como Donald Lewis. Pero eso ya no importaba porque su álbum debut hablaba por sí solo.
Si bien en sus comienzos fue comparada con Tori Amos y Alanis Morissette, también puede leerse entre líneas, (notas y ritmos) la impronta rocker de PJ Harvey o del Hole de Courtney Love. Las participaciones en el disco de los productores Sean Slade y Paul Kolderie, colaboraron a intensificar este estilo, ya que tenían la experiencia de haber trabajado con el mismo Hole y con bandas como Los Pixies, Dinosaur Jr., Morphine y Radiohaed. Entonces, la mezcla de guitarras acústicas con estribillos poderosos, arpegios tristes, colores de punteos surfs, letras sentidas y voces que reinan las canciones, sumadas a la década del noventa, colocan inevitablemente a Tracy Bonham bajo la etiqueta indie o alternative. Aunque en realidad el témino indie -que nació a finales de los ochenta- surge de la palabra independiente, ya que englobaba a las bandas que no firmaban contrato con multinacionales, pero de a poco se tranformó en un género, con bandas como Jane´s Addiction o Los Pixies a la cabeza y años más tarde con el boom Nirvana. Entonces indie fue sinónimo de los sonidos que no seguían al pop dominante de los ochentas, y por eso es un término tan amplio.

Antes de dar a conocer sobre los estudios de canto y violín en su infancia, esta muchacha empezó a sonar en las radios con un estribillo donde gritaba: Estoy sedienta/ Estoy sucia/ Estoy perdiendo la razón/ Todo está bien/ Estoy congelada/ Estoy hambrienta/ Me estoy desangrarndo hasta la muerte/ Todo está bien (I`m hungry/ I`m dirty/ I´m losing my mind/ Everythings fine/ I´m freezing/ I´m starving/ I`m bleeding death/ Everythings fine). Este tema, Mother Mother, que arranca su primer disco, llegó al primer puesto de los charts estadounidenses. Ese es el sonido de tu mente rompiéndose (Thats the Sound of your Brain Cracking), anuncia 4 veces en el quinto tema del disco, casi sin melodía de voz, como en una conversación. Mientras, las negras nos se cansan, marchan derecho con pasos que suenan a cuerdas y afirman sus palabras. The Burdens Of Being Upright es un disco muy personal, desde las letras y la musicalidad, donde Tracy ejecuta tanto guitarra, como violín y voces, y desde el sonido es inevitablemente noventoso, uno de esos álbumes que se desempolvan una vez al año y todas las melodías siguen dando vueltas en nuestras cabezas.
http://www.tracybonham.com/

PJ HARVEY: UH HUH HER (2003)
Por Guada Cheja de Cruel NOCTURNA

PJ Harvey es una artista ineludible dentro de la historia de las chicas del rock, porque además de componer hermosas canciones, poderosas y curdas, ornamentadas por su manjeo de la garganta, graba casi todos los instrumentos en sus discos y como si esto fuera poco también produce sus trabajos.
Por otro lado, y no es un componente menor, en la estética muestra una belleza cotidiana, y de esta forma manifiesta implicitamente que para vender un disco no son necesarios los atributos femeninos prefabricados.
Después de un disco como Stories from the City, Stories from the Sea (2000), parecía que la carrera de PJ viraría hacía un lado más pop, más producido, pero con su disco siguiente, Uh huh her (2004), hizo que las suposiciones quedaran hechas residuos.
Los comienzos rítmicos y melódicos suelen dar una idea de cómo será la obra completa, por eso el primer guitarrazo de este álbum, machacado y tapado con púa para abajo, escupe la idea de la vuelta a la crudeza de los primeros discos de Paulie Jean.
Igual que ocurría con el inicio de su segundo trabajo, Rid of me (1993), con la canción de mismo nombre, que empieza con una viola seca en la que después explota la banda con un estribillo en ira, y concluye con una voz rasposa a capela que suplica: “Lameme los labios, estoy encendida/ Lameme los labios de deseo (Lick my lips I`m on fire/ lick my lips of desire)”.
Mientras que Stories... arranca con una melodía de guitarra, que si bien abandona el sonido crudo de su primera época, no pierde su oscuridad característica ni las letras frontales, que inclusive mantiene en el álbum más distinto de su carrera, Is This Desire? (1998), porque a pesar de la mutación hacia sonidos electrónicos, el aura PJ es visible en cada tema.
Hu Huh her más que un título suena a una expresión de dolor, y así de sentidas son las letras de este disco, que parecieran resumirse en la mitad de la obra, con un tema de un minuto, que poría ser un interludio entre tanta oscuridad sonora. En No Child of Mine la simpleza de su voz y una guitarra acústica se sellan con una frase directa: “No tengo timpo para el odio o el amor (I have no time for hate or love)”.
Si bien antes que finalice el disco hay más canciones que sólo cuentan con guitarras y voces, en estas melodías vuelven los climas opresivos, inlcuso en el tema que concluye el trabajo: Los Días Oscuros de él y yo (The Darker Days of me & him) , que cuando termina deja la sensación que ése bien podría haber sido el título del álbum.
Página oficial http://www.pjharvey.net/

ACTITUD MARIA MARTA: ACORRALAR A LA BESTIA
Por Hugo Moreno de VESANICO y UNDERSITE

"Cuentan los viejos sabios que en el momento de nacer el hombre ya sabe todo. Que puede reconocer este mundo de una punta a la otra, que sabe lo que ocurrió desde el primer día hasta el último, y que ya ha recorrido todo el ciclo. Pero de nada le vale todo esto porque en el preciso instante de nacer un ángel lo besa en la boca y de inmediato olvida todo. Desde ese momento el hombre tendrá que empezar a vivir para aprender a recordar".
Así comienza Acorralar a La Bestia, el primer y, creo, único disco de Actitud María Marta, y no es una frase puesta por capricho en el disco, porque resume gran parte de sus letras y de alguna manera la ideología de la banda.

Acorralar... fue editado en 1996, y más allá de que era una época en que bandas de hip hop comenzaban a copar el mercado (Cypress Hill, Beastie Boys, Control Machete, etc... aunque para citar una influencia dentro de este estilo la más cercana es Public Enemy), es destacable cómo Actitud María Marta utiliza el género y agrega otros estilos a su propuesta.
Malena D'Alessio y Alicia Dal Monte son las encargadas
de las voces y las letras.
Si bien muchas son divertidas y con un sentido del humor más que admirable como en Rudy (donde cuentan la historia de un muchacho sexualmente muy particular) o en La Ola, otras tienen una carga de denuncia y,
como dice el texto del comienzo, de la idea de tratar de recordar.
Canciones como Hijo de Desaparecido o la batucada frenética Estado Resignado son la muestra de ello y de que están escritas del lado de alguien que vivió y vive lo que reflejan las propias letras.
Malena es hija de desaparecidos y no calla su bronca ni la historia de su vida.

Musicalmente no se puede tildar a este disco como un típico disco de hip hop. Si bien las voces en su mayoría son rapeadas, lo hacen sobre bases que no son del género. Hay mucho de reggae (Mi Amigo el Tiburón), funk (Funk del Antiplano) y sobre todo rock, más que nada en el sonido de las guitarras que incluso muchas veces se acercan al metal o al punk, como en Disconforme.
Tengan en cuenta que quizás en un mismo tema pasan por 2 o 3 estilos diferentes, incluso en La Angelita se escuchan algunos aires árabes y es muy graciosa la letra, que está cantada parte en castellano y parte en inglés.

Párrafo aparte merecen las voces de las chicas, cantando a dúo en muchos momentos o, estrofa y estrofa o, superponiéndose con distintas melodías y uno llega a preguntarse cómo pueden meter tantas palabras y no quedarse sin aire. Además de esto son buenas cantantes ya que las dos muestran mucha versatilidad a la hora de encarar los temas.

Al momento de la salida de este disco, el cual fue muy bienvenido por el público, la banda venía con varios años de una interesante actividad en vivo
y tuvieron una actuación en el acto de Plaza de Mayo, que recordaba el 20 aniversario del golpe militar de 1976 que, según la propia banda, fue la presentación más importante de su carrera. También se dieron el lujo de decirles que no a Fito Páez cuando invitó a la banda a tocar de telonera de su show en River. Además habían aparecido con algunas canciones en el compilado Alta Tensión donde comenzó a hacerse conocida la canción A mi me Rebota y a vos te Explota, que también grabaron en Acorralar... y, es la que cierra el disco.

Al año de haber editado su primer álbum la banda desapareció y volvió tiempo después con otra formación y llevando su propuesta musical hacia otros lados (no por esto despreciables). Muchos recordarán el video que se hizo para promocionar Acorralar a La Bestia, que pertenecía a la canción Confusión y tuvo buena rotación por los canales de cable.

Vale la pena destacar el arte del Cd, hecho por Mariano Grynberg, que hizo unos muñecos y unos dibujos buenísimos, y son la frutilla de la torta de un disco que tiene muchos ritmos, muchos estados de ánimo y, sobre todo, mucho que decir.

THE GATHERING : HOW TO MEASURE A PLANET (1998)
Por El Pastor de BUFFALO

En diciembre del 1998 "The Gathering" lanzaba su 5to disco,
"How to measure a planet?" album doble, rockera en cuestion,
Anneke van Giersbergen, en voces, una holandesa que la tiene muy clara a mi gusto para emocionarte o entristeserte con un par de melodias, (destaquemos que en este disco tambien grabo guitarras en "My Elctricity" y "Locked Away", la formacion se completa con su esposo Hans Rutten en bateria, Rene hermano de Hans en guitarras, bajista y tecladista que cumplen sus funciones con creces pero que sus nombres son muy dificiles y se los van a olvidar rapido ( nota: actualmente T.G. cuenta en sus filas con Marjolein Kooijman , una bajista mujer, asi que hay mas rockeras), bueno vayamos a lo que realmente importa. Este disco rapidamente te puede recordar a Pink Floyd por ejemplo, influencia la cual ellos no esconden para nada, por eso no me voy a embarcar en paralelos justicieros por que no hace falta y aparte ellos se la bancan por si mismos, la produccion de este disco es impecable y muy fina, el sonido deleita y llama a escuchar con auriculares, en la calle , en la cama, en el colectivo...donde sea tenes emocion para disfrutar de sobra, la rockerisima "Liberty Bell" se encarga de hacerte saber que saben usar la distorsion a su favor, pero en si el disco esta basado en la tranquilidad y en un viaje del que no te queres bajar, pasajes como el de el tema "How to measure a planet?" (28:33), te llevan de paseo y no te devuelven mas, en fin este disco te deja en un punto ya bastante adentrado en la carrera de The Gathering, pero como a lo largo del tiempo muchas bandas supieron aprovechar varias etapas dentro de su propia onda, bueno T.G. empezo muy podrido y ni siquiera cantaba una chica, y paso un tiempo hasta que despues de cantar de invitada en un disco, se quede ahi para siempre y para bien. T.G. en este disco esta para mi en su punto mas alto compositivamente hablando, asi que si te cabe la del "viaje" pero de calidad, este tu disco,juro que no tiene desperdicio y sino, me vienen a buscar. .
Página oficial http://www.gathering.nl/

DOVER: LATE AT NIGHT (1999)
Por Guada Cheja de Cruel NOCTURNA

Un, dos, tres, cua... machaque, machaque, machaque: así empieza Late at Night, el tercer disco de los madrileños Dover, una obra que si bien está plagada de guitarras graves y pesadas deja claras las influencias punks. Los puazos precisos muestran las muñecas afiladas de las hermanas Llanos (Amparo y Cristina), que además de encargarse de las violas instalan sus gargantas al frente de los instrumentos para transmitir tanto voces cálidas y dulces como rasposas. Con su disco anterior, Devil Come to me, Dover se transformó en la primera banda española independiente que vendió 400 mil copias de una obra y alcanzó a ser cuarto disco de platino. Claro que con las ventas llegaron las posibilidades, estos muchachos hicieron giras por Europa, Estados Unidos (donde compartieron escenario con El Otro Yo) y lograron establecer su sello propio, Loli Jackson Records. Este album que los llevó a la popularidad masiva comparte los mismo conceptos que Late at Night: canciones guitarreras machacadas, con una base que sigue al riff para hacerlo maciso y complemetarlo con las voces melódicas dee las hermanitas. Pero hay una diferencia clave entre estos dos discos y es la forma en que fueron producidos. Con Late at Night Dover firmó contrato con Emi, muchos pensarán que la banda vendió su alma al diablo, pero pareciera que el éxito comercial de Devil Come to me le permitió negociar sus libertades artísticas sin problemas, porque realizó un obra con aura propia, incluso más pesada o dura (como dirían en españa) que su trabajo anterior. Claro que las cuestiones de sonido se vieron beneficiadas porque este contrato los llevó a grabar en un estudio en Seattle. Aunque nadie dice que esto sea la panacea, porque por alguna razón dos discos después los madrileños volvieron a su ciudad de origen para realizar su quinta obra. Ahora (en este preciso instante) se encuentran grabando su sexto trabajo, así que mientras esperamos hay que tener en cuenta que Dover es una banda recomendable para el disckman, mp3 o cualquier bichito tecnológico que venga.
Entonces: auriculares, volumen al palo y a caminar.
Página oficial http://www.dovercametome.com/

JEFFERSON AIRPLANE: 2400 FULTON STREET(1987)
Por El Pastor de BUFFALO

UN POCO DE HISTORIA
Para los que tienen mas de 30 es casi imposible no haber visto alguna vez aquella pelicula de 1987 Mannequin, con Andrew McCarthy y Kim Cattrall (la de Sex and the City), bueno, la cosa aca no es la película , ni los actores, sino la banda de sonido, en la que se destacaba el grasoso Nothing Can't Stop us Now, de una banda llamada Starship, liderada por una tal Grace Slick.
Ahora volvamos unos 20 años mas atrás, corría 1965 y en la costa oeste de los Estados Unidos se formaba Jefferson Airplane, en pleno auge del folk rock, los hippies y el LSD; realmente un momento en la historia de la música donde surgieron muchas de las mejores bandas y solistas de la historia sin duda. 
Surgidos en San Francisco y habiéndose considerado su presentacion en Woodstock uno de los momentos históricos del rock, estos pioneros de la psicodelia, se presentaron por primera vez en vivo  el 13 de agosto de 1965 en The Matrix Club de San Francisco, con buena respuesta del público, pero al poco tiempo algunos miembros dejaron la banda descontentos, debido al uso de drogas por el resto de los músicos. 
A lo largo del tiempo en función de las salidas y entradas de integrantes, antes de convertirse en Jefferson Starship The Next Generation en 1991, la banda varió su nombre de Jefferson Starship al más simple Starship. Pero quedémonos en la primera etapa, a mi gusto la más rica  musicalmente. En poco tiempo la banda fue adoptando un sonido mas electrico; a  finales de ese año firman con RCA Victor y grabaron su primer disco, que se editó al año siguiente bajo el título  Jefferson Airplane - Takes Off. 
En 1966 la cantante de jazz y folk Signe Toly Anderson (primera vocalista) fue reemplazada por Grace Slick, quien a partir de ahi se transformó en la voz característica de la banda, reconociéndola como autora e interprete en clasicos como, White Rabbit y Somebody to Love (junto a su hermanastro de The Great Society Darby Slick).

2400 FULTON STREET 
El disco que recomiendo para empezar es 2400 Fulton Street, una de sus tantas compilaciones, pero a mi gusto completísima y abarcando temas de sus mejores discos y más representativos como por ejemplo Volunteers (1969), su disco más político. Ahi podés encontrar  canciones como We Can Be Together, Good Shepherd, y la post-apocalíptica Wooden Ships (escrita por Paul Kantner, David Crosby y Stephen Stills y editada también por Crosby, Stills & Nash).
Los  Jefferson Airplane tienen 25 ediciones entre vivos, oficiales y recopilaciones, y en 1974 apareció una colección de singles, lados B y material inédito bajo el nombre de Early Flight, este fue el último disco oficial
de Jefferson Airplane.
2400 Fulton Street fue editado y distribuido por RCA Victor. Así que si no conocías la banda y te interesa darle una oportunidad, en alguna cueva de la ciudad lo podés llegar a encontrar con mucha suerte y sino...
¿Para qué tenemos internet?